中国的写意画怎么形成的？
中国绘画在汉代以后形成了“写意”的传统，魏晋南北朝时的文人画开始萌芽；唐代开始发展起来，张璪“外师造化，中得心源”，王维“诗中有画、画中有诗”的画家最为著名；宋代的文人画形成主流；元代以赵孟頫为代表的一派人主张“书画同源”“书法入画”（其实这种理论宋人早就有了），提倡文人画；明代徐渭、清代恽寿平、现代张大千等人都以写意著称于世…… 那么到底什么叫写意呢？我个人的理解是：写意是中国传统美学中的一个重要概念，它主要指那些不拘泥于形貌、生动自然、风格潇洒的绘画作品，而这样的作品主要是由笔墨构成的——当然也不完全排斥其他材质（如纸绢等材料）。
我们看徐渭的画，全是浓墨黑墨，但是笔势极为流畅灵动，黄宾虹也爱用浓淡相间的墨块作画，这都属于写意的范畴；再看当代画家袁运甫，他善用白色颜料作山水画，而且笔法极为流利，给人的感觉也是写意味道极浓。 其实写意并不是一个完全主观的概念，它也受到了外界因素的影响和制约。从历史上看，中国历代的审美趣味是一个从“神似”到“形似”再到“神似”循环的过程——这个现象很值得深入研究。另外，社会风尚、文人性格等等非艺术的因素对写意画的形成也有重要的影响作用。
一个民族的艺术风格，是在这个民族的生产劳动、生存方式、民族气质与思维习惯形成的审美意识中孕育和发展的，它常常以本民族的美学思想为基础，以民族风格的形式表现出来。如建筑方面，西方的教堂与中国式宫殿；雕塑方面，希腊神话人物与中国陵园石人；绘画方面，西方的写实油画与中国的写意画，这些都是东西方两个民族审美意识的体现。
中华民族是一个富有思维理性、道德规范和善于从事生产劳动的民族。在审美意识中，把伦理道德和现实生活的真、善、美，放在审美评价的首位，而把纯工艺的技巧和纯感性的形式美放在从属的地位。先秦美学，把“和”作为艺术的最高境界，把反映现实生活的“比兴”手法作为艺术表现的主要手段，重视色彩的象征意义和装饰效果。秦汉以来，人们在艺术实践中，又发展了“气韵”、“神似”、“意境”等更带有东方神秘色彩的美学精神。东汉张衡描绘的“增之一分则太长，减之一分则太短”，“著粉则太白，施朱则太赤”（《西京赋》）的西施，就是这种“气韵生动”、“美在神韵”美学思想的体现。
在绘画理论方面，南齐谢赫《古画品录》提出的绘画“六法”，对后世有很大影响。唐代张彦远的《历代名画记》继承了“六法”论，总结了“意存笔先，画尽意在”（“立意”）和“得心应手，意在笔前”（“用笔”）两条创作经验。画家王维著有《叙画》。在山水画上主张“意出尘外，怪生笔端”、“妙创山水”。五代荆浩著有《笔法记》，提出了“画者，画也。度物象而取其真。物之华，取其华，物之实，取其”。宋代韩拙著有《山水纯全集》，提出“论气韵”和“真境、神境、妙境、意境”等美学范畴。宋代郭熙在《林泉高致》中还总结了山水画的透视规律。
这些美学思想和艺术创作经验，是我国劳动人民和知识分子对艺术的贡献，它的基本精神，就是要求在描写客体（物象）时寄寓主体（画家）的情感，使描绘对象不仅美在客观物态，而且美在“传神”、“气韵”、“意境”、“韵味”和“趣味”等主观情态。
